Was macht eine gute Orchesterprobe aus? Wann macht Musizieren Spaß? Wie hoch darf der musikalische Anspruch in einem Amateurorchester sein? Und wie viel Verantwortung trägt eigentlich der Dirigent für die Zufriedenheit seiner Musikerinnen und Musiker?  Diese Fragen beschäftigen vermutlich nahezu jeden, der ein Amateurorchester leitet. Besonders interessant werden sie, wenn Musiker ihre Erwartungen formulieren dürfen. Denn dann zeigt sich häufig ein bemerkenswerter Widerspruch: Was für den einen eine motivierende Herausforderung ist, empfindet der andere als Überforderung. Was dem einen musikalische Erfüllung bietet, bedeutet für den anderen unnötigen Leistungsdruck. Nachfolgend einige Gedanken zur musikalischen Leitung, Probenkultur und gemeinsamen Verantwortung im Amateurorchester von Michael Schönstein.

Betrachtet man Wünsche und Erwartungen von Musikern in Amateurblasorchestern an ihre Dirigenten, dann wünschen sich einige Musiker anspruchsvolle sinfonische Literatur, die anderen mehr Unterhaltungsmusik. Manche möchten intensiv an musikalischen Details arbeiten, andere lieber ganze Stücke durchspielen. Einige erwarten eine konsequente musikalische Führung, während andere mehr Freiraum, Mitsprache und Gelassenheit fordern. Jeder dieser Wünsche kann für sich genommen nachvollziehbar sein. In ihrer Gesamtheit sind sie jedoch häufig nicht erfüllbar.

Genau darin liegt eine der größten Herausforderungen für Dirigenten im Amateurbereich: Sie müssen Entscheidungen treffen, die nicht jedem gefallen können. Und sie müssen musikalische Verantwortung übernehmen, auch wenn sich die Wünsche einzelner Musiker widersprechen.

1. Eine Orchesterprobe ist keine Wunschveranstaltung

Ein Orchester besteht aus Menschen mit unterschiedlichen musikalischen Fähigkeiten, Erfahrungen, Erwartungen und zeitlichen Möglichkeiten. Diese Vielfalt gehört zum Amateurmusizieren. Sie ist Bereicherung und Herausforderung zugleich. Problematisch wird es allerdings, wenn aus individuellen Vorlieben allgemeine Forderungen an die Probenarbeit entstehen. Ein Musiker möchte mehr Zeit für schwierige Passagen. Ein anderer beklagt, dass zu wenig gespielt wird. Der Nächste wünscht sich mehr vollständige Durchläufe, während ein weiterer die mangelnde Präzision kritisiert. Wie soll ein Dirigent diesen Erwartungen gleichzeitig gerecht werden?

Wer eine schwierige Passage gründlich erarbeitet, muss das Orchester unterbrechen. Wer weniger unterbricht, verzichtet zwangsläufig auf einen Teil der Detailarbeit. Wer ein Werk vollständig durchspielen lässt, kann in derselben Zeit keine technischen Schwierigkeiten gezielt beheben. Probenzeit ist eine begrenzte Ressource. Jede Entscheidung für eine bestimmte Form der Probenarbeit ist gleichzeitig eine Entscheidung gegen eine andere. Deshalb kann die Qualität einer Probe nicht allein daran gemessen werden, ob sie den persönlichen Vorlieben jedes einzelnen Musikers entspricht. Entscheidend ist vielmehr, ob sie das Orchester musikalisch voranbringt. Das bedeutet nicht, dass Dirigenten ihre Arbeitsweise nicht hinterfragen sollten. Im Gegenteil. Sie müssen prüfen, ob ihre Erklärungen verständlich sind, ihre Unterbrechungen notwendig sind und ihre Probenmethodik tatsächlich zum gewünschten Ergebnis führt. Aber eine Probe wird nicht automatisch besser, wenn sie möglichst vielen individuellen Wünschen entspricht.

2. Mehr Spaß an der Musik – aber wodurch eigentlich?

Kaum eine Forderung im Amateurorchester klingt zunächst so überzeugend wie der Wunsch nach mehr Spaß am Musizieren. Wer würde dem widersprechen wollen? Die entscheidende Frage wird allerdings selten gestellt: Was genau erzeugt diesen Spaß? Ist es das Spielen einfacher, bereits bekannter Werke? Ist es eine Probe mit möglichst wenigen Unterbrechungen? Ist es das gesellige Zusammensein? Oder entsteht musikalische Freude vielleicht gerade dann, wenn ein zunächst schwieriges Werk nach intensiver Arbeit plötzlich funktioniert?

Musikalische Zufriedenheit ist kein einheitliches Erlebnis. Ein Musiker kann sich während einer anspruchsvollen Probe durchaus angestrengt, gefordert oder zeitweise überfordert fühlen und am Ende dennoch große Zufriedenheit empfinden, weil er etwas erreicht hat. Umgekehrt kann eine entspannte Probe mit bekannten Stücken kurzfristig angenehm sein, ohne langfristig musikalisch besonders erfüllend zu wirken. Hier lohnt sich eine unbequeme Unterscheidung:

Angenehm ist nicht automatisch erfüllend. Und anstrengend ist nicht automatisch schlecht.

Menschen können ihre unmittelbaren Vorlieben häufig gut beschreiben. Ob sie damit auch zuverlässig einschätzen können, was ihnen langfristig musikalische Zufriedenheit verschafft, ist eine andere Frage. Wer mehr Spaß fordert, sollte deshalb genauer erklären, was fehlt. Fehlt musikalische Abwechslung? Fehlen Erfolgserlebnisse? Ist der Schwierigkeitsgrad dauerhaft unangemessen? Wird zu wenig gemeinsam musiziert? Oder wird schlicht erwartet, dass die Probe weniger Anstrengung verlangt? Diese Ursachen sind grundverschieden und verlangen entsprechend unterschiedliche Lösungen.

3. Wenn „mehr Spaß“ eigentlich weniger Anstrengung bedeutet

Es wäre unfair, jedem Wunsch nach entspannterem Musizieren Bequemlichkeit zu unterstellen. Viele Musiker haben anspruchsvolle Berufe, familiäre Verpflichtungen und begrenzte Übezeit. Das verdient Respekt. Genauso wenig darf aber übersehen werden, dass der Wunsch nach weniger Leistungsdruck gelegentlich auch den Wunsch nach weniger persönlicher Vorbereitung verdecken kann. Ein anspruchsvolles Werk wird nicht dadurch leichter, dass man es mit weniger Ernsthaftigkeit probt. Schwierige Rhythmen verschwinden nicht, weil man häufiger durchspielt. Unsichere Einsätze werden nicht zuverlässiger, wenn man auf Korrekturen verzichtet. Und musikalische Qualität entsteht nicht allein dadurch, dass ein Dirigent die Proben möglichst angenehm gestaltet.

Hier liegt eine grundlegende Verantwortung jedes Musikers. Wer in einem Orchester mit musikalischem Anspruch mitwirken möchte, muss bereit sein, einen angemessenen Beitrag zu leisten. Dazu gehören regelmäßige Probenteilnahme, Aufmerksamkeit, individuelle Vorbereitung und die Bereitschaft, an eigenen Schwächen zu arbeiten. Nicht jeder muss täglich üben. Nicht jeder muss jede schwierige Passage perfekt beherrschen. Aber es muss eine erkennbare Bereitschaft geben, sich mit den musikalischen Anforderungen auseinanderzusetzen.

Der Wunsch nach musikalischer Qualität bei gleichzeitig möglichst geringer persönlicher Anstrengung ist ein Widerspruch, den kein Dirigent auflösen kann.

Die Aufgabe des Dirigenten ist es, musikalische Entwicklung zu ermöglichen. Die Aufgabe der Musiker ist es, sich daran zu beteiligen. Beides gehört untrennbar zusammen.

4. Der Irrtum vom unbegrenzt verfügbaren Probenbudget

Ein besonders anschauliches Beispiel ist die Pflege eines umfangreichen Unterhaltungsrepertoires. Nehmen wir ein sinfonisches Blasorchester, das neben seinen großen Konzertprogrammen eine Repertoiremappe mit zahlreichen Märschen, Polkas, Medleys und anderen Unterhaltungswerken besitzt. Diese Stücke werden vielleicht bei wenigen kleineren Auftritten im Jahr benötigt. Gleichzeitig werden die Programme dieser Auftritte durch Werke ergänzt, die bereits für ein großes Jahreskonzert erarbeitet wurden. Nun entsteht der Wunsch, das Unterhaltungsrepertoire regelmäßiger zu proben, damit die entsprechenden Auftritte musikalisch sicherer funktionieren.

Das klingt zunächst vernünftig. Aber rechnen wir nach. Angenommen, ein Repertoire umfasst 30 Werke mit jeweils fünf Minuten Spielzeit. Die reine Spieldauer beträgt damit bereits 150 Minuten. Werden für eine gründliche musikalische Erarbeitung je Werk 30 bis 45 Minuten benötigt, ergibt sich ein Probenaufwand von 15 bis 22,5 Stunden. Bei 90 Minuten effektiver musikalischer Arbeit pro Probe entspricht das zwischen zehn und fünfzehn vollständigen Orchesterproben. Und damit wäre jedes Werk lediglich einmal gründlich bearbeitet.

Soll ein solches Repertoire dauerhaft auf einem verlässlichen Niveau gehalten werden, entstehen zusätzliche Wiederholungs- und Auffrischungsbedarfe. Diese Zeit fehlt zwangsläufig bei der Erarbeitung der eigentlichen Konzertliteratur. Es stellt sich also eine ganz konkrete Frage: Ist es musikalisch und organisatorisch sinnvoll, einen erheblichen Teil der jährlichen Probenzeit für Werke einzusetzen, die nur bei wenigen Auftritten benötigt werden?

Eine pauschale Antwort gibt es nicht. Sie hängt vom Selbstverständnis des Orchesters ab. Aber genau dieses Selbstverständnis muss geklärt sein, bevor zusätzliche Probenzeit gefordert wird. Wer mehr Unterhaltungsmusik proben möchte, muss auch beantworten, welche andere musikalische Arbeit dafür entfallen soll. Denn zusätzliche Wünsche schaffen keine zusätzliche Zeit.

5. Das Problem der wechselnden Besetzungen

Noch komplizierter wird die Situation, wenn ein großes Orchester bei kleineren Auftritten nur mit einem Teil seiner Mitglieder auftritt. In den regulären Proben sitzen möglicherweise Musiker, die beim nächsten Auftritt fehlen. Andere, die dort spielen werden, sind bei den entscheidenden Vorbereitungsproben nicht anwesend. Das Ergebnis ist vorhersehbar: Die geprobte Besetzung entspricht nicht der späteren Auftrittsbesetzung. Dabei geht es nicht nur um die Anzahl der Musiker. Entscheidend ist die instrumentale Zusammensetzung. Fehlen beispielsweise wichtige Melodie-, Harmonie- oder Bassstimmen, verändert sich das musikalische Ergebnis erheblich. Selbst gut vorbereitete Musiker können diese strukturellen Lücken nicht beliebig ausgleichen.

Hier entsteht ein weiterer Widerspruch: Einerseits wird erwartet, dass der Dirigent die Auftritte musikalisch zuverlässig vorbereitet. Andererseits sind die organisatorischen Voraussetzungen dafür möglicherweise gar nicht gegeben.

Ein Dirigent kann eine fehlende Besetzung nicht herbeiproben.

Natürlich muss er geeignete Literatur auswählen, auf die tatsächliche Besetzung reagieren und gegebenenfalls musikalische Anpassungen vornehmen. Aber die Verantwortung für verlässliche Teilnahme kann nicht ausschließlich bei ihm liegen. Wenn ein Orchester gemeinsam auftritt, ist die Verbindlichkeit der Mitwirkung eine gemeinschaftliche Aufgabe. Und auch hier stellt sich die Frage, ob zusätzliche Proben wirklich die richtige Lösung für ein Problem sind, dessen Ursache möglicherweise gar nicht in der Probenarbeit liegt.

6. Anspruch ja – aber bitte ohne Leistungsdruck?

Viele Amateurmusiker wünschen sich musikalische Weiterentwicklung. Gleichzeitig möchten sie nicht dauerhaft unter Leistungsdruck stehen. Diese beiden Wünsche schließen sich nicht grundsätzlich aus. Ein guter Dirigent muss einen Anspruch formulieren können, der herausfordert, ohne systematisch zu überfordern. Er muss unterschiedliche Leistungsstände berücksichtigen und musikalische Fortschritte ermöglichen. Allerdings wird häufig unterschätzt, dass Entwicklung nicht ohne Anstrengung stattfindet. Wer ein anspruchsvolles sinfonisches Werk erarbeitet, wird Phasen erleben, in denen das Ergebnis noch nicht überzeugt. Es wird rhythmische Unsicherheiten geben, Intonationsprobleme, technische Grenzen und Passagen, die mehrfach wiederholt werden müssen. Das ist kein Zeichen schlechter Probenarbeit. Es ist zunächst ein normaler Bestandteil musikalischer Entwicklung. Entscheidend ist, wie mit diesen Schwierigkeiten umgegangen wird. Ein Dirigent muss unterscheiden zwischen einem anspruchsvollen, aber erreichbaren Ziel und einer dauerhaft unrealistischen Erwartung. Er darf von seinen Musikern Konzentration, Vorbereitung und Einsatz verlangen. Er muss ihnen aber auch nachvollziehbar vermitteln, wie sie das angestrebte Ergebnis erreichen können.

Anspruch ohne Unterstützung führt zu Frustration. Unterstützung ohne Anspruch führt möglicherweise zum Stillstand.

Die Kunst liegt nicht darin, diesen Gegensatz vollständig aufzulösen, sondern darin, ihn musikalisch sinnvoll zu gestalten. Dabei darf auch ein Amateurorchester den Anspruch haben, mehr zu sein als eine wöchentliche Gelegenheit zum gemeinsamen Notenspielen.

7. Kritik an der Probenarbeit ist berechtigt – aber nicht jede Kritik ist automatisch richtig

Dirigenten besitzen in der Probe eine besondere Machtposition. Sie entscheiden, wann gespielt wird, wann unterbrochen wird, welche Fehler angesprochen werden und wie viel Aufmerksamkeit einzelne Stimmen erhalten. Diese Verantwortung verlangt Selbstkritik. Wenn Musiker beispielsweise wiederholt beklagen, dass sie lange nicht spielen, Erklärungen zu umfangreich sind oder Rückmeldungen überwiegend negativ ausfallen, sollte ein Dirigent solche Wahrnehmungen ernst nehmen. Denn auch eine fachlich richtige Korrektur kann didaktisch ungeschickt vermittelt werden. Ein präziser Hinweis ist häufig wirksamer als eine lange Erklärung. Eine klar formulierte musikalische Zielvorstellung kann hilfreicher sein als die wiederholte Feststellung, dass etwas nicht funktioniert. Und ein ehrlich ausgesprochenes Lob für einen erreichten Fortschritt kann die Bereitschaft erhöhen, an der nächsten Schwierigkeit weiterzuarbeiten.

Das bedeutet aber nicht, dass jede negative Wahrnehmung einen Fehler des Dirigenten belegt. Wer eine schwierige Stelle nicht beherrscht, kann die wiederholte Arbeit daran als unangenehm empfinden. Wer wenig vorbereitet ist, erlebt präzise musikalische Anforderungen möglicherweise als überzogen. Und wer vor allem gemeinsam spielen möchte, bewertet häufige Unterbrechungen anders als jemand, der gezielt an Klangqualität und Präzision arbeiten möchte. Beide Perspektiven sind zunächst subjektiv nachvollziehbar.

Die Zufriedenheit mit einer Probe und ihre musikalische Wirksamkeit sind jedoch nicht dasselbe. Ein Dirigent muss deshalb Kritik aufnehmen, ihre Ursachen prüfen und daraus die richtigen Konsequenzen ziehen. Nicht jede Forderung verlangt eine Veränderung. Aber jede wiederkehrende Kritik verdient eine ernsthafte fachliche Prüfung.

8. Wertschätzung bedeutet nicht, auf Kritik zu verzichten

Ein weiterer häufiger Konflikt betrifft den Umgangston. Musiker wünschen sich Anerkennung, Motivation und positive Rückmeldungen. Dirigenten müssen gleichzeitig Fehler benennen und musikalische Defizite korrigieren. Beides gehört zusammen. Allerdings sollten Dirigenten nicht davon ausgehen, dass Musiker allein aus der intensiven Arbeit an einem Werk erkennen, wie sehr ihre Fortschritte geschätzt werden. Wer ausschließlich über das spricht, was noch nicht funktioniert, vermittelt möglicherweise unbeabsichtigt den Eindruck, dass das bereits Erreichte keine Bedeutung hat. Gerade im Amateurorchester, in dem Menschen freiwillig einen erheblichen Teil ihrer Freizeit investieren, ist diese Wahrnehmung relevant. Wertschätzung bedeutet jedoch nicht, musikalische Probleme zu beschönigen. Sie bedeutet, Leistung anzuerkennen, Fortschritte sichtbar zu machen und Kritik sachlich, konkret und respektvoll zu formulieren.

Eine gute Probe braucht weder künstliche Begeisterung noch demonstrative Strenge. Sie braucht Klarheit. Musikalische Konsequenz und menschlicher Respekt sind keine Gegensätze. Ein Dirigent, der hohe Ansprüche stellt, muss sich deshalb auch an hohen Ansprüchen an seine eigene Kommunikation messen lassen.

9. Gemeinschaft entsteht nicht automatisch durch geringeren musikalischen Anspruch

Ein Amateurorchester ist immer auch eine soziale Gemeinschaft. Menschen begegnen sich regelmäßig, entwickeln Freundschaften, übernehmen Verantwortung und erleben gemeinsame Erfolge. Das ist ein wesentlicher Teil des Vereinslebens. Allerdings wird die Bedeutung der Gemeinschaft manchmal so interpretiert, als müsse die musikalische Arbeit zugunsten einer möglichst entspannten Atmosphäre zurückgenommen werden. Diese Schlussfolgerung ist keineswegs zwingend.

Gemeinschaft kann gerade durch gemeinsame Herausforderungen entstehen. Ein schwieriges Werk, das nach Wochen intensiver Arbeit gelingt, kann ein stärkeres Zusammengehörigkeitsgefühl erzeugen als viele unverbindliche Proben. Ein erfolgreiches Konzert, eine gemeinsam bewältigte musikalische Herausforderung oder die Erfahrung, sich aufeinander verlassen zu können, sind ebenfalls soziale Erlebnisse.

Umgekehrt kann mangelnde Verbindlichkeit die Gemeinschaft belasten. Wenn regelmäßig dieselben Musiker zuverlässig erscheinen, sich vorbereiten und Verantwortung übernehmen, während andere ihre Teilnahme weitgehend nach persönlichen Vorlieben gestalten, entstehen zwangsläufig Spannungen.

Gemeinschaft bedeutet nicht nur, dass man sich wohlfühlt.

Gemeinschaft bedeutet auch, dass man Verantwortung füreinander übernimmt.

Das gilt für den Dirigenten ebenso wie für jeden einzelnen Musiker.

10. Die Grenzen demokratischer Entscheidungen im Orchester

Mitgliederbefragungen, Feedbackrunden und gemeinsame Diskussionen sind wertvolle Instrumente der Vereinsentwicklung. Sie machen Erwartungen sichtbar, eröffnen Perspektiven und können helfen, Fehlentwicklungen frühzeitig zu erkennen. Allerdings dürfen sie nicht mit einer demokratischen Abstimmung über jede musikalische Entscheidung verwechselt werden.

Ein Orchester benötigt eine gemeinsame musikalische Ausrichtung. Diese muss von den Verantwortlichen definiert, vermittelt und getragen werden. Die konkrete künstlerische Umsetzung liegt anschließend in der Verantwortung der musikalischen Leitung. Das ist kein Widerspruch zu einer demokratischen Vereinskultur. Es ist eine notwendige Unterscheidung zwischen Mitwirkung und Verantwortung.

Wenn über jede Literaturauswahl, jede Probenmethode und jeden Schwierigkeitsgrad nach individuellen Vorlieben entschieden würde, entstünde möglicherweise ein Programm, das viele Einzelinteressen berücksichtigt, aber keine erkennbare musikalische Identität besitzt. Ein Dirigent muss zuhören können. Er muss Entscheidungen erklären können. Er muss bereit sein, Fehler zu korrigieren. Er muss aber auch Entscheidungen treffen dürfen, die nicht jedem gefallen. Wer die Verantwortung für das musikalische Ergebnis trägt, benötigt dafür einen angemessenen Gestaltungsspielraum.

11. Auch Musiker müssen ihre Erwartungen hinterfragen

Die Diskussion über gute Probenarbeit konzentriert sich häufig auf die Frage, was der Dirigent verändern sollte. Mindestens ebenso wichtig ist die umgekehrte Perspektive. Was können Musiker selbst dazu beitragen, dass Proben besser funktionieren?

Dazu gehören Fragen, die durchaus unbequem sein können:

  • Erwarte ich vom Dirigenten, dass er Schwierigkeiten löst, die ich durch eigene Vorbereitung reduzieren könnte?
  • Wünsche ich mir weniger Unterbrechungen, obwohl ich gleichzeitig ein präziseres musikalisches Ergebnis erwarte?
  • Fordere ich mehr Probenzeit für bestimmte Werke, ohne zu berücksichtigen, welche anderen Inhalte dafür entfallen müssten?
  • Empfinde ich musikalischen Anspruch tatsächlich als unangemessen oder vor allem deshalb als belastend, weil er Anstrengung verlangt?
  • Bin ich bereit, auch bei Auftritten mitzuwirken, die nicht meinen persönlichen musikalischen Vorlieben entsprechen?
  • Bewerte ich die Qualität einer Probe danach, wie angenehm sie für mich war, oder auch danach, was das Orchester musikalisch erreicht hat?

Diese Fragen richten sich nicht gegen die Musiker. Sie nehmen sie vielmehr als verantwortliche Mitglieder einer musikalischen Gemeinschaft ernst. Denn wer mitgestalten möchte, sollte auch bereit sein, die Konsequenzen seiner Wünsche mitzudenken.

12. Was Dirigenten daraus lernen sollten

Die bisher beschriebenen Widersprüche dürfen für Dirigenten kein Vorwand sein, berechtigte Kritik abzuwehren. Auch die musikalische Leitung muss sich regelmäßig hinterfragen. Ich halte dabei insbesondere fünf Fragen für entscheidend.

Erstens: Ist unser musikalisches Ziel wirklich klar?

Ein Orchester, das anspruchsvolle sinfonische Literatur erarbeiten möchte, benötigt andere Voraussetzungen als eines, bei dem vor allem das entspannte gemeinsame Musizieren im Mittelpunkt steht. Beide Ausrichtungen sind legitim. Problematisch wird es, wenn unterschiedliche Vorstellungen dauerhaft nebeneinander bestehen, ohne offen geklärt zu werden.

Zweitens: Sind unsere musikalischen Anforderungen realistisch?

Ein Dirigent darf hohe Ziele setzen. Er muss aber berücksichtigen, welche Fähigkeiten, welche Besetzung und welche verfügbare Probenzeit tatsächlich vorhanden sind.

Drittens: Nutzen wir unsere Probenzeit effizient?

Nicht jede Unterbrechung ist notwendig. Nicht jede Erklärung ist hilfreich. Nicht jede Passage muss im gesamten Orchester erarbeitet werden. Die Qualität der Probenmethodik zeigt sich auch darin, wie gezielt musikalische Probleme gelöst werden.

Viertens: Vermitteln wir musikalische Fortschritte ausreichend?

Musiker sollten erkennen können, was sie gemeinsam erreicht haben. Das schafft Orientierung und kann Motivation stärken.

Fünftens: Fordern wir Eigenverantwortung konsequent ein?

Wenn individuelle Vorbereitung dauerhaft fehlt, darf die Lösung nicht ausschließlich darin bestehen, sämtliche Schwierigkeiten immer wieder in der Gesamtprobe zu erarbeiten. Sonst wird die begrenzte gemeinsame Probenzeit zunehmend dafür verwendet, individuelle Versäumnisse auszugleichen.

13. Die entscheidende Frage: Was für ein Orchester wollen wir sein?

Hinter vielen Diskussionen über Literatur, Probenmethodik, Auftritte und Leistungsdruck steckt letztlich eine grundlegendere Frage. Welches Selbstverständnis hat das Orchester? Möchte es vor allem eine gesellige Gemeinschaft sein, die gemeinsam musiziert? Möchte es musikalisch anspruchsvolle Konzerte gestalten und sich kontinuierlich weiterentwickeln? Oder möchte es beides miteinander verbinden? Gerade die dritte Variante klingt attraktiv. Sie verlangt aber eine klare Verständigung darüber, was das konkret bedeutet. Denn Gemeinschaft und musikalischer Anspruch lassen sich miteinander verbinden. Nicht vereinbar ist dagegen die Erwartung, dass sämtliche individuellen Wünsche jederzeit und ohne Zielkonflikte erfüllt werden. Ein Orchester kann nicht gleichzeitig jede musikalische Richtung bevorzugen, jeden Schwierigkeitsgrad anbieten, jedes Werk gründlich erarbeiten, möglichst wenig unterbrechen, möglichst viel durchspielen und dabei von allen Beteiligten nur ein Minimum an persönlicher Vorbereitung erwarten. Es muss Prioritäten setzen. Und diese Prioritäten müssen für alle nachvollziehbar sein. Das gilt nicht nur für die Musiker, sondern auch für den Dirigenten.

Fazit: Musikalische Qualität ist eine gemeinsame Verantwortung

Ein guter Dirigent ist nicht derjenige, der möglichst viele Wünsche erfüllt. Er ist derjenige, der aus unterschiedlichen Menschen, Fähigkeiten und Erwartungen ein musikalisch funktionierendes Ganzes formt. Dafür braucht er fachliche Kompetenz, didaktisches Geschick, Kommunikationsfähigkeit und die Bereitschaft zur Selbstkritik. Er braucht aber ebenso Musiker, die verstehen, dass musikalische Entwicklung nicht allein durch die Anwesenheit in einer wöchentlichen Probe entsteht. Wer musikalischen Anspruch möchte, muss einen Beitrag dazu leisten. Wer Gemeinschaft möchte, muss Verbindlichkeit mittragen. Wer Veränderungen fordert, muss deren Konsequenzen berücksichtigen. Und wer mehr Spaß am Musizieren erwartet, sollte sich zunächst fragen, was diesen Spaß tatsächlich entstehen lässt. Vielleicht liegt die größte Zufriedenheit eben nicht darin, dass eine Probe möglichst bequem war. Vielleicht liegt sie vielmehr in dem Moment, in dem aus vielen einzelnen Stimmen nach gemeinsamer Anstrengung etwas entsteht, das keiner allein hätte erreichen können.

Ein Orchester ist kein Dienstleistungsangebot, bei dem der Dirigent für die Zufriedenheit jedes einzelnen Musikers verantwortlich ist. Es ist eine Gemeinschaft, in der alle Beteiligten Verantwortung für das musikalische Ergebnis tragen.

Und genau daran sollten sich die Erwartungen auf beiden Seiten messen lassen.